Eröff­nung: 30.10.2025, 19 Uhr

Laufzeit: 30.10.– 27.11.2025

Abschluss­ver­an­stal­tung mit frischem, selbst gebackenem Brot, Salz, Olivenöl und Butter: 23.11.2025, 16 Uhr 

Am Boden
Am Boden des Matjö entfaltet sich eine in Fliesen geglie­derte Skulptur. Sie greift Muster, Linien und Struk­turen des öffent­li­chen Raums auf und beschreibt diesen als ein System

von Zeichen, das Bewegungen ordnet und lenkt. Während Gebäude Abstand zuein­ander halten, treffen auf dem Boden die verschie­denen Sphären der Stadt unmit­telbar aufein­ander – Reprä­sen­ta­ti­ons­orte gehen über in Verkehrs­flä­chen, öffent­liche, in private Räume, gepflegte in vernach­läs­sigte Zwischenzonen.

Der städti­sche Boden bildet ein intuitiv lesbares Geflecht, das Geschwin­dig­keiten, Verkehrs­mittel und Verhal­tens­weisen regelt und vonein­ander abgrenzt. Über die Fliesen verteilt sich ein Relief das zwischen großmaß­stäb­li­chen städte­bau­li­chen Struk­turen und Details des urbanen Raums springt.

Ergänzt wird die Skulptur durch zwei Videos: Eine Fahrt mit dem Fahrrad durch die Stadt, einmal mit dem Blick auf den Boden, einmal mit der Kamera senkrecht nach oben gerichtet. Ereig­nisse außer­halb des Bildfelds deuten sich in Geräu­schen, Spiege­lungen und Fragmenten von Archi­tektur und Infra­struktur an. Durch die Verschie­bung der Perspek­tive rücken die Ränder des Stadt­raums ins Zentrum der Wahrneh­mung und öffnen den Blick für ihre Beschaffenheit.

Credit: Ulf Neumann VG Bildkunst

www​.ulf​-neumann​.com

instsagram: @ulf__neumann

Seit 2010 freischaf­fend in Köln tätig

2004/2005 Meister­schüler von Prof. Meuser

1999/2004 Studium der Freien Malerei/ Grafik an der Staat­li­chen Akademie der bildenden Künste Karls­ruhe bei Prof. Meuser 2004

1998/1999 Studium der neueren deutschen Literatur u. Philo­so­phie in Tübingen

Eröff­nung: Do. 18.09.2025, 19 Uhr

Laufzeit: 18.09. – 16.10.2025

Finis­sage: 16.10.2025, 19 Uhr

"Die Landschaft wird durch den Blick konstru­iert. Der Blick gleitet von oben über sie hinweg – ohne die Referenz einer Karte, die inzwi­schen unkennt­lich geworden ist, oder eines Kompasses, der ins Nichts weist.

Die Landschaft wird durch einen Blick konstru­iert, der den Körper des Helden verlassen hat. Dieser entkör­perte Blick wird von der Landschaft nicht verstanden, die – ahnungslos – Pflanzen, Büsche und Hasen verspätet auf der Bildfläche erscheinen lässt.

Die Landschaft verwan­delt sich in eine Karte und zeigt uns ihre Ränder – Ränder, von denen der Held in einer Endlos­schleife fällt, während er alle Arten von verlas­senen Objekten in einer Welt sieht, die auf einer trüben Wasser­schicht ruht.

“None but Devils…" richtet den Fokus auf das, was zurück­ge­lassen wurde – nicht auf das, was in den Vorder­grund gerückt ist. Die männliche Helden­figur aus The Witcher 3, obwohl zentrale Figur der Erzäh­lung, bleibt in der Video­ar­beit zurück. Er kämpft seine Schlachten an der Oberfläche der Landschaft, während darunter verges­sene Objekte aus früheren Schichten der Geschichte den Blick umlenken – hin zu Behäl­tern, Werkzeugen und stiller Anhäu­fung: der Sammlung dessen, was übersehen wird.

Es entsteht eine Archäo­logie des Ausran­gierten, die nicht auf Fortschritt und Sieg beruht, sondern auf Spur, Verlust und Wiederentdeckung.

Diese kriti­sche Verschie­bung lenkt die Aufmerk­sam­keit weg von der linearen, zielge­rich­teten und kampf­ori­en­tierten Helden­reise – hin zu einer Erzähl­weise, wie sie Ursula K. Le Guin in ihrer Carrier Bag Theory of Fiction beschreibt. Die Instal­la­tion selbst wird zu einer Art Trage­ta­sche: Sie hält und zeigt das Randstän­dige, das Nicht-Heroische.

Ebenfalls nicht helden­zen­triert ist die Darstel­lung der Landschaft off bounds – also weit außer­halb der für das Spiel program­mierten Pfade. Jenseits dieser Grenzen ist die Landschaft gebro­chen; die Farben der Welt wirken eindi­men­sional, fast unsichtbar für den entkör­perten Blick. Und so, wenn wir in diesem Terrain in ein „Rabbit Hole“ fallen, sehen wir den Himmel von unten – und erkennen, dass die digitale Welt des Helden auf einem Spiegel­ka­bi­nett ruht.”

www​.nieves​del​a​fuente​.com

Laufzeit: 07.08. — 04.09.2025

Eröff­nung: 07.08.2025, 19 Uhr 

‚Trees and Seven Suns‘ handelt von der Ordnung der Welt.

Ein mongo­li­sches Märchen erzählt von der Frühzeit der Welt, in der sieben Sonnen die Erde in eine heiße Ödnis verwan­deln. Ein Held schießt sechs der Sonnen mit seinen Pfeilen ab, die siebte verfehlt er. So stellt er die Ordnung und das Gleich­ge­wicht auf der Erde her und weil sich die verblie­bene Sonne nachts hinter einem Berg vor dem Helden versteckt, entsteht der Wechsel von Tag und Nacht.

Die Vorstel­lung vom Welten­baum als Sinnbild für die Archi­tektur der Welt steht für den kosmi­schen Übergang vom Chaos zur Ordnung. Im Schama­nismus stellt er die Verbin­dung zur Geister­welt her. Der Baum des Lebens und der Baum der Erkenntnis im Judentum und im Chris­tentum haben ihre Vorläufer im kelti­schen Lebens­baum und im nordi­schen Yggdrasil. Als Wohnort von Geistern gelten Bäume im Volks­glauben vieler Kulturen. Immer stellen sie auch eine Verbin­dung zwischen der Erde und dem Himmel her, symbo­li­sieren das Leben und die Erneue­rung und fungieren als Mittler zwischen den Welten.

Javkhlan Ariunbold wurde 1990 in Ulaan­baatar / Mongolei geboren und nach dem Studium an der Kunst­aka­demie Münster schloss sie 2024 ihr Postgra­du­ier­ten­stu­dium an der Kunst­hoch­schule für Medien in Köln ab. Jörg Kratz wurde 1987 in Haan geboren und studierte an der Kunst­aka­demie Münster. Beide leben und arbeiten in Köln. Seit 2017 entstehen gemein­same Arbeiten und Ausstel­lungen, die Konzepte aus dem zentral­asia­ti­schen Raum mit westli­chen Ansätzen verweben und die über die Zusam­men­hänge zwischen Wahrneh­mung, Erinne­rung und dem Umgang mit der Natur nachdenken, die aber auch das geheime Walten von Natur­kräften und die Rolle des Menschen darin reflektieren.

Artikel zur Ausstel­lung: https://​www​.kivvon​.com/​d​e​/​k​o​e​l​n​/​m​y​t​h​e​n​r​a​u​m​-​w​a​l​d​-​k​u​n​s​t​r​a​u​m​-​m​a​t​j​o​e​h​-​z​e​i​g​t​-​a​r​b​e​i​t​e​n​-​v​o​n​-​j​a​v​k​h​l​a​n​-​a​r​i​u​n​b​o​l​d​-​u​n​d​-​j​oerg-kratz

Die KHM eröffnet den diesjäh­rigen Rundgang mit einem Festpro­gramm zu ihrem 35-jährigen Bestehen.

Vom 16. bis 20. Juli 2025 besteht eine der besten Möglich­keiten, die Kunst­hoch­schule für Medien Köln, ihre Studie­renden und Absolvent*innen mit deren künst­le­ri­schen Projekten aus den unter­schied­li­chen Studi­en­schwer­punkten der „Medialen Künste“ kennen­zu­lernen. Das Matjö ist als "Satellit" dabei und präsen­tiert eines dieser Projekte. 

Detail­lierte Infor­ma­tionen ab Anfang Juli unter https://​www​.khm​.de/​R​u​n​d​gang_2025/

Bei uns im Matjö zeigt Dora Cohnen ihre Diplom­ar­beit "Unord­nung und Sicherheit"

Laufzeit: 16 – 20.07.2025, 14 – 20 Uhr

Im Gefängnis gibt es kaum Besitz und keine Privat­sphäre. Die Arbeit „Unord­nung und Sicher­heit“ unter­sucht, wie man in dieser Umgebung persön­li­chen Ausdruck findet. 

Regie, Kamera: Dora Cohnen
Sound: Serafin Schwe­i­nitz
Deutscher Titel: Unord­nung und Sicher­heit
Engli­scher Titel: Security
Jahr: 2025
Material: 16 mm, digita­li­siert
Laufzeit: 17:30 min

Eröff­nung: 05.06.2025, 19 Uhr

Laufzeit: 05.06.2025– 03.07.2025

Finis­sage: 03.07.2025, 19 Uhr

SEYLEEs fortlau­fendes Projekt mit dem Titel "arrange and rearrange study" ist eine formale Unter­su­chung zur Dekon­struk­tion und Neukon­fi­gu­ra­tion von Formen und Struk­turen, die bisher inner­halb einer Logik geome­tri­scher Regeln entwi­ckelt wurde.

Dieses Mal jedoch liegt der Ausgangs­punkt in einer visuellen Sprache, die deutlich impul­siver und emotio­naler wirkt – Bilder von Sprit­zern, Verläufen, Flecken und Spuren, die spontan wirkende Gesten hervorrufen.

Für SEYLEE jedoch sind diese Bilder nicht einfach Ausdruck von Emotionen. Vielmehr sind sie struk­tu­relle Einheiten, gesam­melt und geordnet, um emotio­nale Gesten zu imitieren. Das Bild mag zwar mit der Illusion des Zufalls beginnen, doch schnell wird es zu einem Schau­platz für Zerglie­de­rung und Neuord­nung. Was zunächst verstreut erscheint, wird durch eine Logik der Ordnung zerteilt und schließ­lich in wieder­holten Anord­nungen zu einer Struktur, die nur die Form einer Emotion vorgibt, umgeformt.

SEYLEE zerlegt die Bilder in hunderte Papier­frag­mente und ordnet diese anschlie­ßend per Hand neu an.

Im Laufe dieses Prozesses verschwindet die spontane Aktion zuneh­mend, zurück bleibt allein das Muster der sich wieder­ho­lenden Anord­nung und monotoner Arbeit. Im vermeint­li­chen „Ausdruck von Emotion“ geht die Emotion selbst verloren und wird ersetzt durch ein präzise konstru­iertes Ordnungssystem.

Diese Ausstel­lung stellt den explo­siven Charakter der Empfin­dung neben die Präzi­sion der Struktur und erforscht dabei die Spannung und das Gleich­ge­wicht zwischen beiden Polen.
Split. Split. Splash. Split.
Dies ist zugleich eine Geste und eine Arbeits­me­thode. Ein Akt der Dekon­struk­tion eines emotional wirkenden Bildes und des Neuauf­baus einer neuen Struktur aus dessen Fragmenten.

English:

SEYLEE’s ongoing project, titled arrange and rearrange study, is a formal inves­ti­ga­tion into the disas­sembly and recon­fi­gu­ra­tion of shape and struc­ture, previously developed within the logic of geome­tric rules.

This time, however, the starting point lies in a visual language that is far more impul­sive and emotional 'images of splashes, spreads, stains, and traces that evoke a sense of sponta­neous gesture.'

Yet for SEYLEE, these are not mere expres­sions of emotion. They are struc­tural units 'collected and composed' made to resemble emotional gestures. The image may begin with the illusion of chance, but it soon becomes a site for fragmen­ta­tion and reorde­ring. What appears scattered is dissected with a logic of order, then reorga­nized into a struc­ture that mimics the form of feeling.

SEYLEE dissects images into hundreds of paper fragments, and manually reassem­bles them, piece by piece.

Sponta­neous action gradu­ally disap­pears in this process, leaving only the pattern of repeti­tive arran­ge­ment and monoto­nous labor. In what appears to be an ‘expres­sion of emotion,’ emotion itself is lost — replaced by a meticu­lously designed system.

This exhibi­tion places the explo­sion of sensa­tion beside the precision of struc­ture, and explores the tension and balance in between.
Split. Split. Splash. Split.
It is a gesture, and also a working method. It is the act of dismant­ling an image of emotion, and using its remains to construct a new structure.

Artikel zur Ausstellung: 

https://​www​.kivvon​.com/​d​e​/​k​o​e​l​n​/​k​u​n​s​t​r​a​u​m​-​m​a​t​j​o​e​-​z​e​i​g​t​-​s​p​l​i​t​-​s​p​l​i​t​-​s​p​l​a​s​h​-​s​p​l​i​t​-​von-seylee

Eröff­nung: Mi 30.04.2025, 19 Uhr

Laufzeit: 30.04. – 28.05.2025


Jonas Hohnke — follows form

Jonas Hohnke arbeitet vorwie­gend im Bereich der Konzept-/ Medien-/ und Objekt­kunst.

Der Schwer­punkt seiner künst­le­ri­schen Arbeit besteht darin, die Wahrneh­mung der Dinge, die uns im Alltag umgeben und diesen prägen, visuell und inhalt­lich zu hinter­fragen. Dadurch entsteht eine große mediale Vielfalt im Werk, welche ein großes Inter­esse an Materia­lien und Möglich­keiten abbildet. Alles, was im Wahrneh­mungs­be­reich bzw. im Inter­ak­ti­ons­feld des Menschen liegt, kann inner­halb seiner Arbeit unter­sucht werden. Zwischen der inhalt­li­chen und visuellen Wahrneh­mung, haben die Arbeiten immer wieder instal­la­tiven Raumbezug und beschäf­tigen sich mit Präsen­ta­ti­ons­formen der Bildenden Kunst im musealen Kontext sowie im öffent­li­chen Raum. Die Arbeiten bewegen sich dabei zwischen Kunst und Kunst­re­fle­xion, Bild und Abbild, Kunst und Design, sowie Objekt und Raum.
In der Ausstel­lung follows form werden die Wandele­mente des Ausstel­lungs­raums als sich wieder­ho­lendes Bildmotiv zu Ornamenten einer Fototapete.

Jonas Hohnke studierte Freie Kunst in der Bildhau­er­klasse von Ayse Erkmen und Guillaume Bijl (Meister­schüler) an der Kunst­aka­demie Münster sowie bei Heimo Zobernig an der Akademie der bildenden Künste in Wien. Seit 2015 arbeitet Jonas Hohnke als Künstler haupt­säch­lich im Bereich der Konzept-/ Medien-/ und Objektkunst.

Jonas Hohnke hatte insti­tu­tio­nelle Einzel- und Gruppen­aus­stel­lungen im In- und Ausland. Er erhielt zahlreiche Stipen­dien, darunter an der Cité Inter­na­tio­nale des Arts in Paris oder der Künst­ler­re­si­denz Schloss Ringen­berg. 2022 wurde Jonas Hohnke mit dem Inter­na­tio­nalen Bergi­schen Kunst­preis ausge­zeichnet. Seit 2023 lehrt er Kunst und Design an der Hochschule Nieder­rhein in Krefeld.

Die Werke von Jonas Hohnke sind in ständigen Museums­samm­lungen vertreten, unter anderem im Kunst­haus NRW Korneli­münster in Aachen, im Museum Goch und im Kunst­mu­seum Solingen.

https://​www​.kivvon​.com/​d​e​/​k​o​e​l​n​/​f​o​l​l​o​w​s​-​f​o​r​m​-​i​m​-​m​a​t​j​o​e​-​s​p​i​e​l​t​-​j​o​n​a​s​-​h​o​h​n​k​e​-​m​i​t​-​o​r​i​g​i​n​a​l​-​und-abbild

Eröff­nung: 27.03.2025, 19 Uhr

Laufzeit: 27.03.2025– 24.04.2025

Oleg Yushko

WITTEN­HORN

Die Multimedia-Skulptur WITTEN­HORN ist das Ergebnis meines sechs­mo­na­tigen Artist-in-Residence-Programms an der Univer­sität Witten/Herdecke.

"Eines Tages, als ich über den Campus spazierte, hörte ich ein pfeifendes Geräusch. Es stellte sich heraus, dass dieses Geräusch von der Rutsche auf dem benach­barten Spiel­platz stammte, wenn der Wind im richtigen Winkel wehte. Diese Entde­ckung inspi­rierte mich, ein Modell einer Rutsche zu bauen, die über einen einge­bauten Lautspre­cher Geräu­sche erzeugt.

Im Wesent­li­chen präsen­tiere ich drei verschie­dene visuelle Darstel­lungen desselben Objekts: ein Bild der Rutsche (stati­sches Video), ein maßstabs­ge­treues Modell der Rutsche und ein Fragment einer topogra­fi­schen Karte des Hügels, auf dem sich die ursprüng­liche Rutsche befindet.

In Joseph Kosuths "One and Three Chairs" unter­suchte er die Bezie­hung zwischen Sprache, Bild und Objekt. Ich versuche, zu verstehen, wie digitale Techno­lo­gien nicht nur den Prozess der Wahrneh­mung verän­dern, sondern auch die Art und Weise, wie wir die Welt um uns herum beschreiben und Kunst­werke erschaffen.

Um dies zu errei­chen, habe ich nahezu alle modernen techno­lo­gi­schen Möglich­keiten genutzt. Ich verwen­dete eine Drohne für die Photo­gram­me­trie, Reverse Enginee­ring für die 3D-Modellierung und einen 3D-Drucker für den Druck der fertigen Skulptur." Oleg Yushko

https://​olegy​ushko​.com/

https://​www​.kivvon​.com/​d​e​/​k​o​e​l​n​/​k​u​n​s​t​r​a​u​m​-​m​a​t​j​o​e​-​z​e​i​g​t​-​o​l​e​g​-​y​u​s​h​k​o​s​-​i​n​s​t​a​l​l​a​t​i​o​n​-​wittenhorn

Kurzbio­grafie

1974 geboren in Minsk, Weissrussland

1996 Studium an der Weißrus­si­sche Staat­liche Univer­sität für Infor­matik und Radio­elek­tronik, Minsk, Weißrussland

2008 Studium an dem Höheres Institut für Bildende Kunst, Gent, Belgien

Lebt und arbeitet in Düsseldorf

© Oleg Yushko

Eröff­nung: 13.02.2025, 19 Uhr

Laufzeit: 13.02. – 13.03.2025

Walls, Corners, and Algae Blooms

Jeesoo Hong

Raumin­stal­la­tion

In „Walls, Corners and Algae Blooms“ bringt Jeesoo Hong die Szenerie eines wuchernden Schwimm­be­ckens in den Galerie­raum Matjö. Ein privates Außen­be­cken, das seit mehreren Jahren in einem Garten brachlag, hat sich im Laufe der Zeit in einen Lebens­raum für verschie­dene Organismen verwan­delt. Während Algen das Wasser ergrünen ließen haben sich dort Rücken­schwimmer, Molche und Wasser­käfer angesie­delt. Das Projekt umfasst haupt­säch­lich Video­ma­te­rial sowie eine Schau­fens­ter­in­stal­la­tion. Die Algen, die das Wasser im Schwimmbad trüben, verwi­schen die räumli­chen Grenzen wie flüssige Vorhänge und geben Komfort und Privat­sphäre, indem sie den gemein­samen Lebens­raum der Wasser­ein­wohner verhüllen. In dem geome­tri­schen Raum, an den die Tiere ihre Gestik und ihren Alltag angepasst haben, tauchen sie an der Wasser­ober­fläche auf. Das Ganze wirkt wie eine Paral­lel­welt, in die man, wie durch ein Fenster, hinein­schaut, während akustisch nur die Geräu­sche der eigenen Welt wahrnehmbar sind. 
I, Jeesoo Hong, was born in 1991 and am an artist based in Cologne. My works so far dealt with existing spaces in everyday life and reinter­pre­ting their spatial narra­tives. In parti­cular, renovated spaces—which contain layers of time and practi­cality in their archi­tec­tural functions — become the main materials in my projects. By using those spaces as stages, I aim to highlight their unique charac­te­ristics, creating situa­tional inter­ven­tions through drawing, sound, instal­la­tion, perfor­mance, and walk-based activities.

www​.hongjeesoo​.com

https://​www​.kivvon​.com/​d​e​/​k​o​e​l​n​/​k​u​n​s​t​r​a​u​m​-​m​a​t​j​o​e​-​l​a​e​d​t​-​z​u​m​-​b​e​s​u​c​h​-​v​o​n​-​j​e​e​s​o​o​-​h​o​n​g​s​-​v​i​d​e​o​-​u​n​t​e​r​w​a​s​s​erwelt-ein